Статья: ИНФОРМАЦИОННО-ИССЛЕДОВАТЕЛЬСКИЙ ЦЕНТР "ТАНЦСОЮЗ" КАК ПРИМЕР ЦИФРОВИЗАЦИИ РОССИЙСКОГО СОВРЕМЕННОГО ТАНЦА (2024)

С 6 по 11 ноября 2023 года в Астане прошел Х Международный конкурс скрипачей « Astana-Violin », посвященный памяти Давида Ойстраха. Мероприятие было приурочено к знаменательной дате - 25-летию со дня основания Казахского национального университета искусств и прошло при поддержке Министерства культуры и информации Республики Казахстан. Жюри Х Международного конкурса скрипачей « Astana-Violin » возглавила народная артистка Республики Казахстан, Герой Труда Казахстана, ректор Казахского национального университета искусств Айман Мусахаджаева. В его состав вошли народный артист Российской Федерации Захар Брон (Швейцария), проректор Национальной музыкальной академии Вьетнама Буй Конг Дью (Вьетнам), художественный руководитель музыкального фестиваля « Vietnam Connection » Чонг Ву (США), музыкальный директор симфонического оркестра Фарго-Мурхед, дирижер Кристофер Циммерман (США), основатель (совместно с Игорем и Валерием Ойстрахами) ансамбля «Ойстрах», художественный руководитель фестиваля « Ost-West-Musikfest » Гернот Винишхофер (Австрия), народный артист Кыргызстана, дирижер Эрнис Асаналиев (Кыргызстан). В Юбилейном конкурсе приняли участие 45 молодых исполнителей из разных стран в двух возрастных категориях: младшая группа (10-15 лет) и старшая группа (16- 28 лет). В старшей группе обладателем Гран При стала Сара Драган (Швейцария, класс З. Брона). Членами жюри были присуждены именные премии и дипломы.

В своем исследовании авторы рассматривают через призму некоторых вокально-педагогических установок такой актуальный междисциплинарный раздел медицинской логопедии, как фонопедия (фонопедагогика), а именно ее подраздел - вокальная фонопедия. При опоре на серьезные научные источники определяется сам процесс певческой фонации в качестве ценного реабилитационно-профилактического ресурса при голосовых расстройствах. В статье раскрывается современный научный подход к вопросу интерпретации вокального дыхания, в частности в контексте дифференцированного подхода к нему относительно речевого дыхания, поскольку традиционно основу фонопедического воздействия составляет работа по коррекции именно фонационного дыхания. Инверсивный характер вокального дыхания несет в себе значительный коррекционный потенциал для пациента в период реабилитации. Авторы рассматривают вокал и в роли важного компонента психотерапевтического воздействия при занятиях с пациентом с нарушенной голосовой функцией. В статье представлены две современные западные системы вокально-педагогического воспитания голоса, « Estill Voice Training » ( EVT ) и « Complete Vocal Technique » ( CVT ), в качестве механизма реабилитационного воздействия на голос. Затронуты некоторые исследования коллег в этом направлении, появившиеся за последнее время.

В статье затрагивается проблема социокультурной интеграции людей с нарушениями слуха. Отмечается, что важнейшим аспектом для людей с ОВЗ и инвалидностью является создание условий для совместной деятельности с членами социума в таких сферах, как образование, досуг, трудовая, общественно-политическая и др. Одно из важнейших средств коммуникации и передачи информации - язык. Для людей с нарушением слуха таким средством коммуникации является русский жестовый язык (РЖЯ), развитию которого в России уделяется большое внимание. Социокультурная интеграция позволяет обеспечить адаптацию лиц с нарушением слуха там, где для них создана речевая среда, а также существует широкая речевая практика детей и подростков, в том числе за пределами образовательного процесса. Одно из условий доступности образования для лиц с нарушением слуха на всех уровнях - сопровождение образовательного процесса переводом на жестовый язык, что сопровождается рядом проблем, связанных с отсутствием в России достаточного количества переводчиков РЖЯ, особенно в отрасли культуры, а также уровень их специализации и квалификации. Одним из эффективных инструментов социальной интеграции людей с нарушением слуха стала сеть инклюзивных творческих лабораторий (ИТЛ), созданная в 2021 году в рамках реализации федеральной инициативы «Придумано в России». В настоящий момент 114 ИТЛ, действующие на базе организаций культуры, осуществляют деятельность в большинстве субъектов Российской Федерации.

В статье рассматриваются некоторые аспекты архетипических сюжетов и образов казахской и шире - тюркской культуры, нашедших воплощение в художественной вышивке Казахстана XXI века. В фокусе настоящего исследования творчество: Зейнелхана Мухамеджанулы, Ботагоз Зейнелхан, Калимхан Рахметбайкызы, Гульназым и Айнур Омирзак, которые являются ярчайшими представителями казахстанского этномодерна. Для достижения поставленной цели был выбран комплексный метод, совмещающий исторический и искусствоведческий подходы. В обозначенном контексте важным стало изучение некоторых особенностей сюжетов и образов казахской вышивки, что позволило выявить определенный репертуар излюбленных мотивов традиционных мастериц. Орнаменты, входящие в фонд народного творчества, по-новому и самобытно интерпретируются современными художниками Казахстана. Однако можно с уверенностью сказать, что современные художники не просто продолжают традицию искусства декоративной вышивки, но и укрепляют ее благодаря единению с архетипическими сюжетами и образами. Художники не стремятся к максимально точному «переводу» этих сюжетов и образов в лоно современной визуальной культуры, а представляют их, как и саму технологию старинной вышивки, в качестве одного из новых направлений искусства Казахстана. Таким образом, старинный евразийский тамбурный шов біз кесте - лейтмотив казахской традиционной вышивки - получил новый импульс развития.

В статье анализируется творческий путь выдающегося китайского тенора Дай Юйцяна. Внимание акцентируется на ключевых событиях в его творчестве, повлиявших на его становление как вокалиста. Освещается разносторонняя деятельность Дай Юйцяна как оперного певца, активная фаза которой приходится на конец 1990-х годов - 2010-е годы, и концертного исполнителя, педагога, музыкального просветителя. В статье раскрываются особенности его исполнительского репертуара (от китайских народных песен до итальянских веристских опер), дается география выступлений (от Китая до США). Дай Юйцян - певец, известный за пределами Китая, он завоевал мировое признание благодаря своим исключительным голосовым и артистическим данным. Имя Дай Юйцяна вписано в контекст мирового вокального искусства, он - первый и единственный азиатский ученик великого Лучано Паваротти. В области китайского вокального образования Дай Юйцян сегодня является одним из ведущих педагогов, занимаясь воспитанием профессиональных вокалистов. Важное место в его педагогической деятельности занимает популяризация вокальной грамотности среди широкой аудитории. Сведения из биографии Дай Юйцяна подкрепляются выдержками из двух опубликованных интервью, что позволяет сделать его творческий портрет более выразительным, объемным, многоплановым.

Настоящая статья посвящена визуальному языку детских книг и журналов первой трети XIX века на тему искусства. Рассматривается культурно-исторический контекст развития иллюстрированной литературы на данную тему. Выявляются наиболее популярные сюжеты, устанавливаются художественные особенности публикуемых изображений. Проводится сравнение иллюстраций в русскоязычных версиях книг и зарубежных оригиналах. Определяется взаимосвязь формата издания и графического содержания, а также варианты взаимодействия текста с картинкой. Для работы были отобраны наиболее яркие примеры отечественной старопечатной книги, отражающие тенденции рассматриваемой эпохи. Это детские энциклопедии, азбуки, издания биографического и игрового характера. Результатом исследования стала реконструкция общей картины иллюстрирования детской литературы по искусству в России в 1800-1820-х годах. Установлено, что детское книгоиздательство данного периода практически не стремилось рассказать об искусстве как таковом. Зачастую оно фигурировало в содержании изданий, ставящих перед собой иные цели. Тем не менее авторам книг удавалось освещать те или иные аспекты искусства (к таковым относятся, например, виды искусства, художественные образы), а также технические особенности создания произведений, рассказывать о знаменитых художниках.

В октябре 2023 года в Самарском театре оперы и балета имени Д. Д. Шостаковича прошла премьера камерной оперы С. М. Слонимского «Мастер и Маргарита», которая стала знаменательным событием в жизни музыкального театра России. Будучи завершенной в 1972 году, опера тогда же прозвучала в Доме композиторов Ленинграда, но в неполном виде, и была отвергнута чиновниками от культуры. Концертная постановка оперы, осуществленная М. Юровским в Большом зале Московской консерватории в 1989 году, не могла полностью удовлетворить композитора, как и гамбургская постановка 2000 года, шедшая на немецком языке. Только спустя полвека опера «Мастер и Маргарита» увидела свет театральной рампы в своей первоначальной редакции. Три премьерных дня в Самаре продемонстрировали интерес публики к сочинению С. М. Слонимского. Важным оказалось и то, что основной костяк исполнителей составили молодые певцы, которые наряду с маститыми вокалистами приняли участие в постановке. Музыкальному руководителю театра и дирижеру Евгению Хохлову, как и режиссеру Ю. Александрову пришлось постепенно погружаться в музыкальный текст оперы, неоднократно проигрывая партитуру, чтобы разгадать смысл, заложенный в нее композитором.

Статья посвящена стилистическому и драматургическому анализу одного из самых значительных сочинений Бориса Лазаревича Клюзнера (1909-1975) - Второй симфонии. Созданная в 1963 году, симфония продолжает и динамизирует военную тему, ключевую в творчестве композитора. Замысел симфонии возник на волне растущего интереса советских музыкантов к творчеству Бенджамина Бриттена. Б. Л. Клюзнер познакомился с музыкой «Военного реквиема», прослушав пластинку с его записью у Д. Д. Шостаковича, который по приезде из Олдборо демонстрировал это сочинение своим ученикам и друзьям. В статье подчеркивается, что в начале 1960-х годов особым событием становится исполнение «Военного реквиема» в Ленинграде (1963). Приводятся воспоминания об этой российской премьере современников Клюзнера и делается вывод, что ленинградский композитор с его чутким художественным восприятием не мог остаться равнодушным к столь обсуждаемой партитуре. Масштабное ораториальное полотно Бриттена стало своего рода ориентиром, вдохновившим Клюзнера на сочинение тоже масштабное, но иное по жанру и драматургии. Вторая симфония в стилевом и драматургическом отношении обнаруживает не только параллели с бриттеновским сочинением, но и во многом переосмысливает его. Таким образом, влияние Бриттена ничуть не умаляет самобытности произведения Клюзнера, но, наоборот, ставит его в ряд со значительными музыкальными произведениями ХХ века на военную тему.

Статья посвящена анализу образного содержания и композиции оратории Ю. Б. Шерлинга « Exodus Triada ». В этом произведении, название которого апеллирует к книге Ветхого Завета «Исход», поднимается одна из вечных тем в искусстве - тема протеста против насилия, порабощения и уничижения одного народа другим. В статье анализируются словесные тексты, взятые из разных, порой противоположных по своей мировоззренческой направленности источников (цитаты из книг Ветхого Завета и философских трудов Ф. Ницше), роль состава исполнителей (оркестр, хор, солисты), жанрово-стилевые и композиционные особенности оратории. Каждая из трех ее частей имеет свое наименование, относящееся к разным историческим периодам (израильтяне в Египте, первый крестовый поход, нацистская Германия), и самостоятельную программу, мотивирующую отбор словесных текстов, приемов оркестровой и хоровой выразительности. Музыкально-стилистическая основа оратории характеризуется сочетанием фольклорных источников, аллюзий на еврейскую народную музыкальную культуру с авторскими композиционными приемами, опирающимися на опыт западноевропейской музыкальной культуры второй половины XX века (ритмическая интенсивность, речевое пение, алеаторика, глиссандо в хоровых и оркестровых партиях, диссонансность вертикали). Общий вывод - все средства музыкально-художественной выразительности способствуют раскрытию глубоко человечного содержания этого произведения.

В статье анализируется фортепианный концерт китайского композитора Чу Ванхуа «Моя родина», написанный под впечатлением военного кинофильма «Битва на горе Шанганлин» (1956). В основу произведения положена песня «Моя родина», завоевавшая популярность у китайского народа. Композитор обратился в концерте к обобщенной программе, которая, как выявляется в процессе анализа сочинения, непосредственно связывается с сюжетом кинофильма. Исходя из имманентных свойств концертного жанра, Чу Ванхуа представляет слушателю его нестандартную трактовку. В качестве исходной формы Чу Ванхуа избирает свободные вариации - структуру, свойственную китайской национальной традиции, интерпретируя их в соответствии с музыкальным содержанием произведения, а в качестве формы второго плана в концерте выявляются черты сонатного цикла и сонатного allegro . Одновременно в произведении есть признаки сюиты - жанра, широко распространенного в китайской музыкальной культуре. Мастерски владея композиторской техникой, Чу Ванхуа претворяет в произведении такие имманентные черты жанра, как игровая логика, виртуозность, состязательность, концертирование, импровизационность, которые представлены в произведении с различной степенью интенсивности. Концепция концерта Чу Ванхуа «Моя родина» относится к синтетическому типу, где равно представлены виртуозность и стремление к симфонизации. В плане композиции концерт представляет собой нетипичную форму, а по масштабам скорее приближается к концертино. По принципу соотношения исполнительских партий концерт относится к паритетному типу.

Одной из задач культурной политики государства 1920-1930-х годов являлось создание необходимых условий для развития музыкальной культуры и образования в Бурят-Монгольской АССР. Для решения проблемы подготовки кадров в этой сфере был проведен ряд мероприятий: организация курсов по подготовке кадров культурно-просветительской работы, инструкторов художественной самодеятельности, привлечения специалистов из центральных городов страны, создание материальной базы, поиск различных форм их финансирования. Важнейшими событиями в рассматриваемом периоде было открытие в городе Верхнеудинске (с 1934 года - город Улан-Удэ) детской музыкальной школы и первого учреждения среднего специального музыкального образования - Техникума искусств, преобразованного в 1936 году в театрально-музыкальное училище. Открытие техникума позволило создать театры, оркестры, филармонию, способствовало дальнейшему развитию музыкальной культуры и искусства Бурят-Монгольской АССР. Для обеспечения кадрами высшей квалификации наиболее талантливые музыканты направлялись на стажировку и учебу в ведущие вузы страны. Как следствие - первая декада бурят-монгольского искусства, проходившая в Москве в 1940-м году, показала высокий уровень достижения творческого и профессионального потенциала ее участниками. Таким образом, в 1920-1930-е годы осуществлялся процесс формирования кадрового потенциала в области музыкальной культуры и образования в Бурят-Монгольской АССР.

Статья посвящена изучению личных дел китайских виолончелистов, которые получили профессиональное образование в Московской государственной консерватории в середине 1950-х - начале 1960-х годов. Основные задачи статьи: раскрыть неизвестные страницы обучения первых китайских виолончелистов в МГК; ввести в научный оборот из архивных источников данные, касающиеся их обучения в консерватории; показать значимость системы российского музыкального образования для их дальнейшей музыкальной карьеры. Архивные материалы показали, что китайская молодежь обучалась в МГК у выдающихся педагогов-виолончелистов: М. Ростроповича и Т. Козолуповой. Из двадцати восьми студентов в консерватории обучалось четыре виолончелиста - случай нечастый, но свидетельствующий об особой востребованности этой специальности для освоения китайцами универсального струнного инструмента: сольного, ансамблевого, оркестрового. В качестве показательного примера в статье подробно рассмотрено Личное дело Сыту Чживэнь. По результатам проведенного исследования автором делается ряд выводов, главный из которых заключается в доказательстве необходимости продолжения изучения архивных материалов, посвященных обучению китайских студентов-музыкантов в консерваториях Советского Союза с целью реконструкции их творческого пути, а также становления музыкально-исполнительских школ Китая.

Статья посвящена деятельности крупнейшего русского композитора и пианиста А. Черепнина, сына известного петербургского профессора Н. Н. Черепнина. Прослеживается деятельность династии Черепниных, которая почти полтора века вносила свой вклад в развитие музыкального искусства не только России и Китая, но и стран Дальнего Востока, Европы и Америки. А. Черепнин характеризуется как русский и американский композитор, пианист, теоретик, педагог и критик. Рассматриваются и структурируются этапы жизни выдающегося композитора и музыканта. Отмечены принципиальные новшества, внесенные профессором Черепниным в систему педагогики, касающиеся смены хронологии векторов изучения классики и современности, а также пересмотра фундаментальной звуковой основы учебных музыкальных пособий и реальное создание нового китайского репертуара для исполнителей. Прослеживается эволюция эстетико-стилевых установок среди молодых композиторов Китая: если в 1920-е годы акцент делался на гармоничном сочетании традиций восточной и западной музыки, то в последующие десятилетия заметно усилился интерес к национальным корням. Получает научное аналитическое обоснование главный тезис А. Черепнина - учить китайцев творчеству и исполнительству в аспекте сохранения их принадлежности китайской национальной традиции. В характеристике цикла пьес для фортепиано «От Черепнина» анализируются этюды, имеющие программную расшифровку в литературном эпиграфе или в расширенном названии, что является эстетическим нормативом китайской музыки.

В статье освещается исполнительское искусство одной из ведущих отечественных камерных певиц первой половины ХХ века Ольги Николаевны Бутомо-Названовой (1888-1960). Наиболее плодотворный период ее творчества приходится на 1918-1928 годы - важный этап в истории становления камерно-вокального искусства в России. И именно Ольга Николаевна играла одну из ключевых ролей в данном процессе. Это подтверждается всей ее творческой деятельностью и тем резонансом в прессе, которую последняя вызывала. Многолетним знаковым аккомпаниатором и единомышленником для О. Н. Бутомо-Названовой был Б. Л. Яворский[15] (вместе они выступали более десяти с лишним лет)2, это поставило их артистический союз в один ряд с ведущими камерными ансамблями того времени, ставшими своеобразным символом эпохи. Среди них - Духовская–Бихтер, Доливо-Мирзоева, Лодий-Голубовская, Дорлиак-Рихтер, отчасти Кошиц-Рахманинов[16] и др. Тем более удивительно, что творческое наследие певицы до сих пор не обратило на себя должного внимания научного сообщества. Между тем «заполнение» подобных пробелов в истории становления жанра позволяет не только составить более детальную картину указанного периода, но и получить объективное представление об эпохе в целом, особенно когда речь идет о таких значимых фигурах в развитии русского камерного вокального искусства, как О. Н. Бутомо-Названова.

Современные проблемы защиты авторских прав в науке и искусстве тесно связаны с новым этапом технологического развития, который четко обозначился в начале 20-х годов XXI века в связи с внедрением искусственного интеллекта (далее - ИИ) во все сферы современной жизни [11, 165 ]. Внедрение ИИ в искусство и науку вызывает ряд юридических вопросов, особенно в отношении авторского права [3, 78 ]. В некоторых юрисдикциях авторство может быть приписано разработчику ИИ, в то время как в других - самому ИИ. Чтобы получить авторскую защиту, произведение должно быть оригинальным. Может ли ИИ создавать оригинальные произведения, или они будут считаться основанными на предыдущих работах? Если ИИ использует материалы или данные, которые являются объектом авторского права других лиц, то встает вопрос об использовании и лицензировании этих материалов. Если ИИ создает произведение, которое нарушает авторские права других лиц, тогда кто несет ответственность за нарушение - разработчик ИИ или сам ИИ? Какие права на использование произведения, созданного с помощью ИИ, должны быть предоставлены его создателю или владельцу ИИ, а также другим лицам? Параллельно возникает вопрос о том, как обеспечить юридическую защиту для ИИ и созданных им произведений, чтобы предотвратить незаконное использование или копирование этих произведений. В некоторых случаях ИИ может создавать новые технологии или изобретения. Тогда рождается вопрос о том, кому принадлежат патентные права на такие изобретения, и как они могут быть защищены. Все эти вопросы требуют дальнейшего юридического анализа и разработки соответствующих правовых норм и политик для регулирования внедрения ИИ в искусство и науку.

В XXI веке активно развиваются технологии виртуальной реальности, которые в свою очередь становятся неотъемлемой частью институции музеев. В статье рассматриваются тенденции, которые способствуют внедрению виртуальных технологий в деятельность и концепцию музеев. В частности, из тенденций выделяется реформа человеческого интеллекта (по А. Койре) и появление виртуального эскаписта - нового вида потребителя. В статье систематизированы основные функции музеев, сложившиеся в период с XVI по XVIII век. Также проанализированы новые функции, которые появились у музеев современности под влиянием новых информационных технологий. На примере ГМИИ им. А. С. Пушкина рассматриваются возможности применения и реализации в музее проектов при помощи виртуальных технологий. Помимо этого были систематизированы новейшие задачи развития музеев, поставленные ИКОМ России. Применение новейших цифровых и информационных технологий на сегодняшний день помогает в полной мере реализовать основную функцию музеев - обеспечение права на культурное развитие людей. Это позволяет создавать новые формы сохранения культурного наследия человечества, а также избежать его утраты.

В статье описываются национальные особенности изображения животных в первобытный, языческий и христианский периоды до становления и расцвета классического жанра анималистики в России (XVIII-XIX века). Для достижения цели в дополнение к классическим методам исследования в искусствоведении использовался системный подход, в результате была создана модель исследования и прослежены ее изменения в разные временны ́ е периоды. В статье проводится анализ влияния сложного интегрального образования - мировоззрения - на создаваемые и дублируемые из века в век анималистические паттерны. В результате выявлены такие компоненты мировоззрения, как особенности эйдетической памяти первобытного человека, особенности мышления до возникновения письменности, стремление к групповой идентификации, религиозные представления, жизненно-практические познания и системы ценностей, определяемые социальными, этническими и политическими факторами. Анализ изменений изображений животных в отечественном искусстве в период от палеолита до становления христианства выявил, что формы анималистических паттернов тесно связаны с особенностями мировоззрения конкретных людей (социальных групп). В заключении приведены примеры использования анималистических паттернов в современном изобразительном искусстве (на примере искусства Алтая).

В статье изложены результаты эксперимента, проведенного среди студентов 1-го курса факультета изобразительного искусства и народных ремесел Государственного университета просвещения. Цель эксперимента - найти ответ на вопрос о том, какие цветовые созвучия предпочитаются чаще: те, что скомпонованы на основе дополнительных оттенков, или те, что построены на родственном контрасте. В работе описан алгоритм проведения эксперимента посредством авторской методики, представлены результаты анализа полученных данных при помощи критерия хи-квадрат. Выявлено, что некоторые цветовые сочетания, построенные на противопоставлении дополнительных оттенков, предпочитаются значительно чаще сочетаний родственных тонов, и наоборот: существуют сочетания на основе контраста родственных цветов, предпочитаемые значительно чаще, чем комплементарные созвучия. Также выявлены участки цветового круга, в рамках которых и комплементарные, и родственные сочетания предпочитаются одинаково часто. Результаты исследования вносят вклад в научный блок теоретических знаний о цвете, способствуют осознанию ряда проблем в искусстве и художественном образовании. Материалы могут быть использованы в практике обучения.

Статья посвящена творчеству аргентинского композитора Альберто Хинастеры и исследованию его Сонаты для гитары op . 47. Это сочинение репрезентирует стиль Хинастеры как органичное соединение национальных традиций и достижений профессионального музыкального искусства XX века. В статье детально анализируются четыре части произведения с целью выявления элементов традиционной культуры как основы его музыкального материала. Хинастера применяет ритмы, интонации, мелодические формулы, фактурно-тембровые эффекты аргентинского фольклора таких жанров, как маламбо, милонга, видала, чакарера. К традиционной музыкальной культуре Аргентины восходит и само исполнительство на гитаре с оригинальными приемами звукоизвлечения и звуковедения. В качестве способов развития музыкального материала в Сонате Хинастера использует серийно-додекафонную, сонорную, алеаторную, техники композиции, применяет натуральные и симметричные лады, включает в произведение цитату. В статье рассматривается оригинальное преломление композитором авангардных техник и методы их адаптации к фольклорному материалу, которые приводят к интересному результату. Это принцип зеркальной симметрии, сложившийся на основе применения серийно-додекафонной техники и организующий форму частей и всего цикла. Комплексный анализ Сонаты для гитары реализуется на фоне широкого социокультурного контекста: он предваряется кратким экскурсом в область фольклорных традиций Аргентины и характеристикой эволюции творчества Хинастеры.

Звучащая среда филармонических концертных площадок и сценических подмостков музыкальных учебных заведений характеризуется тотальным преобладанием музыкальных произведений прошлых веков в соотношении с музыкой современных стилей и направлений. В статье обсуждается ряд вопросов, связанных с причинами сложившейся диспропорции, анализируется ее влияние на формирование репертуарных предпочтений слушательской аудитории и на развитие музыкального мышления любителей академической музыки. Кроме того, на обсуждение профессионального сообщества выносится тема ответственности музыкантов-исполнителей за формирование звучащей среды, оказывающей решающее воздействие на мышление общества в целом. Поднимается деликатная тема оценки действий некоторых представителей музыкально-образовательного сообщества, позиционирующих себя в качестве обладателей «истины в последней инстанции» при решении вопроса, какие стили и направления современной музыки «достойны» звучать в «храме искусства», а какие нет. При выявлении причин сложившегося отношения музыкантов-исполнителей к творчеству современных композиторов автор статьи, опираясь на положения теории информации, предлагает рассматривать музыкальное произведение и в качестве результата творческой деятельности композитора, и в качестве некоего примера создания им информационного послания обществу. Данный подход позволил в очередной раз обратить внимание исполнителей на необходимость овладения современным музыкальным языком, обладающим синтетической системой знаков, единой для всех участников музыкальной коммуникации: композитора, исполнителя и слушателя. В завершении статьи обсуждаются предложения по решению этой важнейшей для нашего времени проблемы.

Целью данной статьи является определение специфических характеристик и особенностей организации художественного образования будущих журналистов на основе анализа опыта подготовки журналистов в Казанском (Приволжском) федеральном университете. Комплексный анализ позволил определить цели и задачи художественного образования, обозначить его неотъемлемые составляющие, подходы и принципы, а также описать содержание. Определяя художественное обучение будущих журналистов как культурное обучение, автор статьи связывает это с представлением о формах художественного творчества как о высокопотенциальном средстве воспитания человека, способном, удовлетворяя потребности индивида, возвышать эти потребности, погружать человека в мир культуры. Это положение становится особенно важным в условиях недооценки в социальной практике роли и значения эстетического сознания и худож ественной культуры, их влияния на динамику развития современного общества. К основным слагаемым художественного образования будущих журналистов отнесены: развитость навыков смыслового творчества как атрибутивного механизма трансляции смыслов, содержащихся в произведениях искусства; сформированность компетенций в сфере искусства и художественного творчества; цифровая методология образовательной деятельности; динамичное культурно-образовательное пространство; миметика эксперимента с открытием смыслов мира искусства, базирующаяся на художественном опыте, сформированном и развивающемся под воздействием художественной образности. Художественное образование будущих журналистов основано на ряде принципов, важнейшими из которых являются принципы комплексного подхода, уникальности, традиционности, реализации нравственного потенциала искусства, универсальности, межкультурного взаимодействия, вовлечения.