Статья: ИНСТРУМЕНТАЛЬНАЯ МУЗЫКА РУБЕЖА XX-XXI ВЕКОВ В ДИАЛОГЕ С ПРОШЛЫМ (2024)

В 2024 году исполняется 150 лет со дня рождения Елены Фабиановны Гнесиной - выдающегося педагога, пианистки, общественного деятеля, основателя и руководителя комплекса музыкальных учебных заведений. Статья посвящена личности и творческому наследию Е. Ф. Гнесиной. Данная работа основана на материалах из фондов Мемориального музея-квартиры Гнесиной, где полностью сохранена прижизненная обстановка и большой архив семьи Гнесиных: письма, нотная и книжная мемориальная библиотека, концертные программы, афиши, фотографии и другие артефакты, а также личные вещи музыканта. Ценными источниками для статьи явились публикации сотрудников музея, связанные с жизнью и творчеством Е. Ф. Гнесиной. В статье представлен многогранный образ Е. Ф. Гнесиной, дается характеристика ее уникального наследия, которое было непосредственно связано с исполнительской, педагогической, административной и композиторской деятельностью. Уделяется также внимание творческому окружению музыканта. В заключение делается вывод о масштабной музыкальной деятельности Гнесиной, внесшей неоценимый вклад в создание отечественной педагогической школы и профессионального музыкального образования, что подтверждается созданием ею комплекса учебных заведений. Подчеркивается значение педагогических методов Е. Ф. Гнесиной, которым посвящены ее многочисленных учебные пособия, и роль композиторского творчества, обращенного к сочинению музыки для детей.

Не иссякает интерес к личности и наследию Н. А. Римского-Корсакова. Разные полюсы его художественных идей словно бы настоятельно требуют все более глубокого толкования, современного подхода, выхода за пределы изученного. Во вневременном масштабе пристально рассматриваются его наследие и все более расширяющиеся круги влияний музыки мастера, его «диалоги» с композиторами прошлого и с современниками, новаторские принципы мышления Н. А. Римского-Корсакова, его «неизвестные» мемуары (Летопись); осмысливаются заманчивые вопросы символов и топосов, стилевых аллюзий в музыке композитора, рецепции его сочинений, философско-религиозные основы, мифопоэтика и многое другое. Исследовательский корпус довольно объемен, в нем важное место занимают коллективные труды, в их числе: «Н. А. Римский-Корсаков. К 150-летию со дня рождения и 90-летию со дня смерти»: сб. статей. М., Московская гос. консерватория, 2000; «Н. А. Римский-Корсаков и его наследие в исторической перспективе»: сб. статей. СПб, 2010; «Триумф русской музыки: Римский-Корсаков - окно в мир»: сб. статей. СПб., 2016. Наконец, назову изданную новую редакцию тематического каталога звукозаписей в фонодокументах РГА ФД к 180-летию композитора (2023). Автор настоящей статьи, изучая в разные годы материалы и рукописи учеников Римского-Корсакова - А. К. Лядова, М. М. Ипполитова-Иванова, композитора Петербургской школы Г. Н. Попова, обобщает некоторые вопросы, накопившиеся в современном фонде знаний о композиторе, останавливаясь на теме «Н. А. Римский-Корсаков и его последователи».

Развитие социального предпринимательства в сфере креативных индустрий на сегодняшний день является актуальной задачей социальной политики и экономики нашей страны. В статье представлен опыт инклюзивных творческих лабораторий по созданию условий для формирования предпринимательской инициативы в сфере креативных индустрий у людей с инвалидностью и ограниченными возможностями здоровья.

Статья посвящена проблеме приобщения студентов - будущих учителей - к истокам национальной культуры средствами фольклора, который обладает большим воспитательным потенциалом. Автор акцентирует внимание на изучении народных сказок как необходимом направлении работы педагога, связанной с сохранением традиционной народной культуры, формированием осмысленного отношения к национальному художественному наследию. Таким ценным фольклорным материалом являются карельские сказки - важное средство развития эстетических и нравственных качеств подрастающего поколения, они прививают любовь к родному краю, воспевая его красоту и уникальные традиции. Автор уделяет внимание характеристикам персонажей карельских сказок, раскрывает их мифологическую основу и художественные традиции воплощения. В статье дается описание опытно-экспериментальной работы, которая проводилась автором в 2023/2024 учебном году на кафедре технологии, изобразительного искусства и дизайна Петрозаводского государственного университета и Специализированной школы искусств города Петрозаводска…

Пение Соан - один из жанров в сокровищнице традиционной вьетнамской народной музыки, популярный продукт народной культуры в провинции Фу Тхо - на Земле предков короля Хунг. Пение в жанре Соан часто звучит во время традиционных фестивалей, особенно во время крупных празднеств в храме Хунг. Жанр Соан сочетает в себе пение, танцы и драму, содержание которых составляют предания и легенды вьетнамского народа, отражающие события его древней истории и традиции, сохранившиеся до сегодняшнего дня. В 2011 году жанр народного пения Соан был зарегистрирован ЮНЕСКО как объект культурного наследия, который нуждается в защите, а в 2017 году в рамках программы ЮНЕСКО «Шедевры устного и нематериального культурного наследия» вошел в список объектов нематериального культурного наследия человечества. Северное предгорье - регион Вьетнама, на который сильно повлияла культура эпохи короля Хунг. Для старшеклассников, в том числе учащихся начальной школы в Северных предгорях, обучение пению Соан считается обязательным в рамках сохранения местного культурного наследия, вьетнамских народных традиций и воспитания молодого поколения со школьной скамьи в духе патриотизма. Обучение жанру народного пения Соан ведется в русле текущих потребностей в образовательных инновациях.

В настоящей статье рассматривается символическая взаимосвязь четырех основных элементов - серебро/металл, камень, дерево и кость, их осмысление и трактовки в творчестве известного казахстанского ювелира Ильи Казакова. По мнению автора статьи, эти понятия не только символизируют различные аспекты степной вселенной, но и объединяются в синкретический союз с эстетикой информационных технологий. Молодой, но уже опытный карагандинский художник Илья Казаков особо выделяется в арт-пространстве современного Казахстана, а его творчество, на наш взгляд, представляет собой «сплав» степного мировоззрения и мышления современного человека, живущего в век информационных технологий. Создавая ювелирные изделия на основе местной художественной обработки металла, художник вносит в свое творчество активное экспериментальное начало, навеянное архисовременной эстетикой. Степные мотивы и коды цифровой эпохи слились в его творчестве в гармоничном симбиозе. Через анализ художественных приемов, выбор материалов и образных решений в работах И. Казакова автор статьи стремится постичь процесс слияния традиционных культурных символов с современными технологическими реалиями. Методологический подход, используемый в работе, позволяет увидеть творчество И. Казакова в контексте не только индивидуального выражения, но и в качестве рефлексии по поводу современной культурной идентичности.

Данная статья посвящена проблеме изучения русского фольклорного искусства в контексте его становления в обрядовых формах восточных славян. Известно, что искусство многих народов зиждется на плодородной почве богатства и разнообразия различных фольклорных жанров, которые бережно передавались из поколения в поколение, творчески перерабатываясь, модифицируясь и видоизменяясь с каждой новой интерпретацией того или иного исполнителя. Музыкально-танцевальное искусство, представляющее собой портрет любой нации и народности, зародилось в глубокой древности. Танец, сопровождаясь различными песнями, частушками и причитаниями, в которых раскрывался смысл происходящего действа, отражал внутренний мир человека, эмоционально-эстетическую сторону его бытия. Под воздействием впечатлений, полученных от соприкосновения с окружающим миром, а также под влиянием трудовых процессов, навыков охоты и военного дела рождалась соответствующая пластика тела, выразительные движения и разнообразные жесты. За свою многовековую историю русский фольклор обогатился историческими, лингвистическими, мифологическими и антропологическими чертами наследия восточных славян, представляя собой в настоящее время богатейшую основу искусства нашей страны. Таким образом, проблема сохранения культурно-исторических традиций, благодаря которым утверждается национальное самосознание русского народа, является в современном мире одной из самых важных и актуальных.

В данной статье рассматриваются вопросы, касающиеся методов постановки музыкального спектакля в XXI веке и создания художественного образа, воплощаемого актером в процессе сценического действа. Подчеркивается особое значение психофизического состояния артиста в контексте достоверного проживания на сцене в образе определенного персонажа. На основе анализа трудов великих деятелей российского театрального искусства - К. С. Станиславского, В. Э. Мейерхольда, М. А. Чехова, А. Я. Таирова, А. Б. Дрознина - делается вывод о важной роли пластической выразительности актера в театральной практике. Раскрывается и анализируется общая синтетическая природа музыкального театра. Объясняются причины активного роста в XXI веке популярности музыкального театра и его специфических жанров среди зрителей. Описываются и сравниваются постановки двух учебных театров - Института современного искусства (Москва) и Российского института театрального искусства - ГИТИС, созданные по мотивам пьесы-сказки Е. Л. Шварца «Обыкновенное чудо». В качестве доказательства достоверности суждений и актуальности затрагиваемой темы проведено интервью с действующей российской актрисой и режиссером музыкальных спектаклей и мюзиклов, вокалисткой, преподавателем по дисциплине «Музыкальное воспитание» кафедры Театрального искусства Института современного искусства - Ульяной Анатольевной Чеботарь (приложение № 1).

В центре исследования — музыкальные произведения современного московского композитора Михаила Броннера (1952 г.р.), отражающие тему Холокоста: «Еврейский реквием» и «Долгое возвращение (Книга песен)», созданные для хорового театра. В статье анализируется проблема контакта европейской, русской, еврейской культур на примере этих произведений на разных уровнях: художественного содержания; жанрового определения (Еврейский реквием); тематизма, определяющего звуковую ауру. Обозначена позиция композитора в выборе языка текста для вокальных и инструментальных произведений, проанализировано соотношение музыки и слова: тексты песен на идиш («Долгое возвращение»), идиш и иврите («Еврейский реквием» — поэма Хаима Нах мана Бялика «Город резни», переведенная на идиш словами из дневника Анны Франк; псалмы на иврите). Анализ музыкальных произведений показал, что в «Еврейском реквиеме» преобладающей культурой является славянская, а в сборнике песен «Долгое возвращение» — еврейская. Формы проявления контакта культур в «Еврейском реквиеме» осуществлялись путем диффузии («сглаживания» звуковых формант), а в хоровой опере «Долгое возвращение» — путем транскультурации.

Жизнь и творчество известного отечественного композитора Тихона Николаевича Хренникова всегда были в русле музыковедческих исследований, которые не теряют своей актуальности и в настоящее время. Казалось бы, добавить к этому списку то, что имело бы научную новизну, невозможно. Однако это суждение обманчиво, так как в опере «Золотой теленок» ярко проявляются грани таланта композитора, не отмеченные прежде. Комическое ви´дение художественных образов оперы говорит о любви Хренникова к жизни, что по своей сути является самой что ни на есть актуальной проблемой нашего времени - утрате радости и перспективы «счастливого завтра». В опере «Золотой теленок» сочно проявляется многогранность жизни: комизм и трагизм, богатство и нищета человеческих эмоций, их острота и обнаженность. Композитор выразил всю палитру ярких, нарочито выпуклых и запоминающихся образов посредством музыки, наполнив ее юмором и сатирой, с одной стороны, и гротесковым колоритом - с другой. Характерной чертой большого художника является способность охватить своим талантом многие музыкальные жанры, что в полной мере демонстрирует опера Т. Н. Хренникова «Золотой теленок».

Статья посвящена особенностям русского военного марша второй половины XIX века. В ней рассмотрены качественные характеристики мелодии, гармонии и инструментовки, приведены примеры специфической стилистики марша, а также основных средств музыкальной выразительности. В статье отмечаются яркие контрастные сопоставления, на которых строятся марши, рассматривается их темпо-ритмическая основа, метрическая константность, а также подчеркнутая мерность ритма военно-маршевой музыки исследуемого периода. Анализируется гармоническая сторона маршей, заключающаяся в расширении круга аккордов субдоминантовой группы, а также усилении ладотонального контраста между частями. Выявлен феномен, при котором гармония маршей в некоторых случаях составляет более значительный художественный интерес в отличие от мелодии, лишенной определенной музыкальной выразительности и индивидуальности. Выстраивается параллель с маршами прусской армии, тональный план которых строился на основе тонико-доминантовых соотношений в первой части и трактовки трио в тональности субдоминанты. Затронута тема специфики сложившейся к тому времени музыкальной формы. Прослеживается практика инструментовки марша, направленная на усиление звучности путем постоянного использования полного состава оркестра.

Статья обращена к музыкально-театральным произведениям И. Ф. Стравинского и Н. А. Римского-Корсакова - «Соловью» и «Золотому петушку». Примечательна «встреча» последней оперы Римского-Корсакова и первого музыкально-сценического опуса его младшего современника 26 мая 1914 года в парижском театре Шатле в рамках «Русских сезонов» С. Дягилева. Поиск актуальных для эпохи модерн синтетических художественных форм - то, к чему стремился знаменитый импресарио и его единомышленники, обусловил постановку в виде балета с пением не только «Золотого петушка», но и «Соловья», композиция которого уже изначально задумывалась Стравинским как оперно-балетная. В показанных в один вечер спектаклях вокально-инструментальный план действия дополнялся танцевально-пластическим, образуя выразительный звукозрительный контрапункт слышимого-видимого. В насыщенной колоритными деталями режиссуре А. Бенуа и хореографии М. Фокина, живописно-декоративном оформлении Н. Гончаровой в «Золотом петушке», равно как и в решении «Соловья» А…

Статья посвящена развитию вокального искусства от Античности до Нового времени. Автор анализирует труды, дошедшие до нас из Греции и Рима и являющиеся первыми источниками информации о развитии вокального мастерства в европейской культуре. Особое внимание уделяется периоду Средневековья, где параллельно с развитием духовной музыки происходило становление песенно-инструментального искусства. В эпоху Возрождения в связи с ростом влияния светской культуры отмечается появление новых жанров вокальной музыки, что было связано в том числе с появлением оперы. Внимание автора обращено на начавшееся в XVII веке формирование национальных вокальных школ, в каждой из которых выделяются индивидуальные показатели исполнительского мастерства: в итальянской школе - технические приемы и экспрессивность, во французской - изысканность и четкое произношение, в немецкой - высокая техника и особое внимание к сути содержания, в английской - обращение к традиции мадригала и развитие многоголосия. В статье уделяется внимание становлению музыкальных традиций в области пения и их преемственности в европейских школах вокального исполнительства на различных этапах их развития; выявляются культурные, религиозные и социальные факторы, оказавшие влияние на формирование их локальных особенностей.

Художественная культура, имея важнейшее значение для общества и являясь средством коммуникации, передачи идей, ценностей, знаний и исторического опыта, способна развить чувство прекрасного, творческое мышление и эмоциональную сферу человека. Школьное пространство рассматривается в статье как активный фактор, не только оказывающий воздействие на образовательный процесс, но и способствующий развитию творческого сознания и культурного мышления учащихся. Обсуждается роль архитектуры школьных зданий, их интерьеров и внешнего оформления в формировании образовательной среды, способствующей развитию творческого мышления и художественной культуры учащихся. Рассматриваются теоретические подходы к оценке эффективности школьного пространства для достижения образовательных целей. Исследование, проведенное в лицее № 44 города Чебоксары в рамках федерального проекта «Школа мечты», стало ценным опытом для команды студентов ЧГУ им. И. Н Ульянова. В процессе исследования были использованы различные методы: эмоциональной оценки пространства с учениками 5-7 классов, графического анкетирования, наблюдения, творческого интервью со школьниками 6-11 классов и молодыми педагогами, экскурсии по школе с директором. Проведенные эмпирические исследования, а также их детальный анализ обозначили и сформировали тренды в предпочтениях школьников относительно архитектоники школьного здания, колористических схем и планировочных решений образовательного пространства.

В статье рассматривается жанровый канон баллады и его отражение в фортепианном opus’ е Ц. А. Кюи «Утес» из цикла «В Аржанто». Раскрывается история возникновения произведения. Отмечается влияние программного содержания, сюжета на драматургию и композицию сочинения. Подчеркивается роль анаграммы AGEEA ( ArGEntEAu ), совпадающей с названием замка Аржанто в Бельгии. Произведение Кюи анализируется с точки зрения соответствия параметрам жанрового канона баллады на уровне содержания, драматургии, формы, внутрижанровой структуры, средств музыкальной выразительности. Выявляются особенности музыкальной драматургии и композиции сочинения, обусловленные спецификой обобщенно-сюжетной программности и в целом разворачивающимся музыкальным сюжетом, итогом которого становится типичная для жанрового канона баллады трансформация исходных тем-образов. Определяются интонационные источники тематизма баллады и прослеживается их судьба в произведении. Акцентируются композиционные принципы свободной (смешанной) композиции на основе сложной трехчастной формы в синтезе со свободной вариационностью, сонатностью, концентричностью. Особое внимание уделяется методам монотематизма и лейттематизма, а также внутрижанровому синтезу и театральности как типологическим свойствам поэтики жанра баллады. В то же время раскрываются специфические черты их трактовки композитором.

Чарлз Айвз (1874-1954) - выдающийся американский композитор, органист, пианист, лауреат Пулитцеровской премии, один из родоначальников американской национальной музыки. В контексте традиционной музыки фортепианный стиль Айвза приобретает свежесть и инновационность благодаря использованию современных техник письма. На примере «Трех четвертитоновых пьес для фортепиано» (1925) в статье прослеживается, как именно в творчестве Айвза отразились традиционные и новаторские черты композиции. В анализируемых пьесах была применена новая техника четвертитонового письма, основанная на микротоновых и микрохроматических интервалах, изучением которых в России занимались И. А. Вышнеградский и Н. Б. Обухов. Помимо инновационных методов в произведении используются типичные черты музыкального языка Айвза, такие как симметричные эпизоды, палиндромы, целотоновые лады, а также цитирование американских и французских гимнов и патриотических песен. В качестве материала для публикации использована статья композитора «Некоторые четвертитоновые впечатления», которая впервые была опубликована в марте 1925 года в журнале Франко-американского музыкального общества. Статья Айвза, ранее не публиковавшаяся на русском языке, является важным документом, в котором композитор дает теоретическое обоснование своей новаторской четвертитоновой системы.

Диалоги - атрибуты современного знания о писателях, художниках, музыкантах-исполнителях, дирижерах. Круг изданных книг-диалогов обширен, их фонд продолжает активно пополняться. Разнообразны подходы к такому формату книг: беседы (Хитрук А. Беседы с музыкантами о фортепианном искусстве. Избранные статьи и рецензии. М., 2015); подразумеваемые диалоги (Овчинников А. Г. Диалоги с Чеховым. Чехов в диалоге с писателями. М., 2024); интервью в форме диалогов (Игорь Стравинский. Диалоги. Л., 1971). Направленность диалогических трудов об искусстве понятна: услышать голос художника, писателя, музыканта, отвечающего на вопросы о творческом процессе, конкретных произведениях, жизненном пути. При этом не так часто можно встретить книги бесед с учеными, поскольку их труды говорят сами за себя. Тем больший интерес вызывает недавно изданная книга - Имханицкий М. И. Диалоги с Д. С. Дмитриенко [2]. На вопросы известного музыканта, заслуженного артиста Российской Федерации, главного дирижера и художественного руководителя Государственного русского народного ансамбля «Россия» им. Л. Г. Зыкиной Д. С Дмитриенко отвечает заслуженный деятель искусств Российской Федерации, доктор искусствоведения, профессор М. И. Имханицкий, чьи труды по широкому кругу вопросов, связанных с темой « народные музыкальные инструменты », давно стали научной классикой.

Статья посвящена исследованию одного из важнейших феноменов китайской музыкальной культуры - процесса формирования китайской исполнительской и педагогической фортепианной школы в контексте диалога культур. При изучении данного феномена возникает необходимость историко-теоретического осмысления общих тенденций развития китайского фортепианного искусства в рамках межкультурного диалога. Цель исследования заключается в музыковедческом осмыслении сущности самого понятия «китайская фортепианная школа». Объектом исследования является фортепианное искусство Китая. Предметом исследования стал процесс формирования фортепианной школы Китая в контексте культурного диалога. Впервые в музыковедении исследуется само понятие «фортепианная исполнительская школа» в музыкальной культуре Китая и его специфика, что явилось результатом культурно-художественных обменов китайских пианистов с западными исполнителями, изучения достижений западноевропейских фортепианных школ и активного взаимодействия с ними. Выявлены три составляющих понятия «фортепианная школа Китая» (как направление в национальном музыкальном искусстве; как творческий коллектив; как методическая система), а также изложены наиболее значительные достижения в педагогическом и методическом воспитании профессиональных исполнителей. Результаты исследования могут быть использованы в чтении курсов по истории фортепианного исполнительства и методике обучения игре на фортепиано.

Статья посвящена теме стандартизации высшего образования в России, происходящей в период с начала 90-х годов ХХ столетия по настоящее время. Присоединение России к Болонскому процессу определило ключевые направления переформатирования содержания и организации образовательного процесса, целью которого стало формирование групп базовых и профессиональных компетенций. На данном этапе особое внимание уделяется мерам, направленным на обеспечение доступности профессионального образования для лиц с ограниченными возможностями здоровья (далее - ОВЗ). История развития государственных стандартов рассматривается в контексте подготовки специалистов по звукорежиссуре. В этом ракурсе анализируются требования госстандарта к образовательным организациям в части подготовки абитуриента при поступлении в вуз, а также требований к итоговой государственной аттестации выпускника. В научной литературе представленная проблема освещена недостаточно, а монографические исследования, обращенные к данной теме, отсутствуют. Профессиональное образование в России за последние десятилетия проходит сложный путь реформирования. Корреляция исторического опыта профобразования и инновационных научно-педагогических знаний в этой области предоставляет возможность сохранить лучшие традиции отечественной педагогической мысли, а также вырабатывать новые подходы к оптимизации образовательной деятельности на основе Федеральных государственных образовательных стандартов (ФГОС).

В статье дается характеристика дисциплине «Фактура в музыке ХХ века», выросшей из факультативного авторского курса и с 2004 года занявшей прочное место в учебном плане Российской академии музыки имени Гнесиных. В блоке дисциплин по выбору данный курс наряду с «Ритмикой в музыке ХХ века» отражает стратегию развития современного музыкального образования. Он читается бакалаврам по направлению компьютерная музыка и аранжировка и композиторам, а также в рамках курса «Актуальные проблемы теоретического и исторического музыкознания» аспирантам по специальности 5.10.3. «Виды искусства (музыкальное искусство)». Автором обосновывается целесообразность обращения к фактуре как неотъемлемой составляющей стиля композитора, которая исследуется во взаимодействии с голосоведением, гармонией, тембром, техниками композиции и процессами формообразования. Специфика предмета исследования потребовала введения в музыковедческий обиход системы понятий, способствующих созданию целостной концепции фактуры, основные положения которой становятся фундаментом интегрального анализа.

В статье впервые раскрываются основные исторические этапы становления российской композиторской педагогики. Освещен вклад первых консерваторий России в Петербурге и Москве в развитие музыкального образования. Сделан системный анализ российских учебников по композиции М. Ф. Гнесина, О. А. Евлахова, Е. И. Месснера, С. М. Слонимского и даны сравнения с «Основами музыкальной композиции» Арнольда Шенберга. Рассмотрен вклад в воспитание творческой молодежи одного из ведущих педагогов-мастеров, профессора Московской консерватории Евгения Кирилловича Голубева (1910- 1988) - ученика и последователя Н. Я. Мясковского. Приведены воспоминания Голубева из его дневниковых «Алогизмов», раскрывающие эстетические взгляды композитора и сущность его педагогического метода. Выполнен анализ стилистических особенностей методов композиции учеников Голубева, среди которых Г. Шантырь, Т. Николаева, А. Холминов, А. Эшпай, Т. Кулиев, Г. Григорян, А. Шнитке, А. Исакова, К. Баташов, И. Красильников, А. Головин, А. Кобляков, Ю. Воронцов и многие другие. Е. К. Голубев, развивая традиции своих великих предшественников - Римского-Корсакова, Мясковского, Танеева, Прокофьева и др., - создал одну из самых значительных композиторских школ в России. Традиции его школы прорастают в новых поколениях музыкантов.