SCI Библиотека

В статье уточняется интерпретация термина «культурный ландшафт», определяется роль современного визуального искусства в формировании городского художественно-культурного ландшафта. На примере выставок, творческих проектов, фестивалей, проходивших в Новосибирске в 2024 г., раскрываются возможности современного визуального искусства в развитии художественно-культурного ландшафта мегаполиса. Представлена панорама культурных событий, проходивших на базе Новосибирского государственного художественного музея, Галереи ЦК19, Белой галереи ЦКиО «Победа», Арт-платформы НГОНБ «Дом да Винчи», Арт-центра «Красный», молодежного центра «Альтаир» и других институций, свидетельствующая о высоком уровне художественной активности, в эпицентре которой находятся молодые сибирские авторы. Контент арт-событий отражает две тенденции: первая обусловлена стремлением художников раскрыть свою региональную и городскую идентичность через сибирский колорит и узнаваемые символы города; вторая - глобалистская - находит выражение в использовании новейших мировых технологий вне связи с определенным местом и культурными традициями. Культурный ландшафт является пространством бытования современного искусства, которое, в свою очередь, выступает ландшафтообразующим фактором современного города, отражая его визуальный образ, фокусируя внимание на его идентичности. Созданию уникального образа Новосибирска во многом способствует интеграция в его событийный контент ивентов, направленных на продвижение современного искусства.

Имя Агриппины Яковлевны Вагановой известно всему балетному миру и даже за его пределами. Сегодня имя А. Я. Вагановой носит не только созданная ею уникальная методика преподавания классического танца, но и ее alma mater – Академия Русского балета – ведущее хореографическое учебное заведение нашей страны. Несмотря на прославленность педагогической деятельности Вагановой, краткая информация о ее начале представляет собой совокупность путаных и противоречивых сведений. В статье приведены обстоятельства и хронология начала пути великого педагога, установленные при изучении архивных документов.

Арт-резиденция как форма социокультурной активности может приобретать различные формы и создаваться на основе различных материальных объектов. Как вариант, здание для арт-резиденции может быть спроектировано и построено специально для целей и задач данной институции. В данной же статье рассматривается ряд частных случаев - когда арт-резиденция создается на основе памятников архитектурного культурного наследия в России и за рубежом. В материале также даются описания форм сохранения культурного архитектурного наследия, которые гипотетически могут быть осуществлены при практике создания арт-резиденции на основе культурных и архитектурных памятников. Научная новизна данного материала, по нашему мнению, это попытка построить междисциплинарные связи для описания социокультурных процессов и трансформаций, существующих в непосредственной связи с функционированием арт-резиденций, а также описать процессы сохранения культурных архитектурных памятников в форме арт-резиденций на конкретных и гипотетических примерах. Автор приходит к выводу о том, что создание арт-резиденций на основе исторических культурных архитектурных памятников, при соблюдении ряда правил, практика достаточно полезная и плодотворная.

В статье на примере неоязычества и современной художественной культуры России представлено описание типов и характера связи искусства и новой религиозности, а также форм объективации этих отношений. Показано, что искусство и новая религиозность сегодня представляют собой самодостаточные культурные формы, но реализующие взаимное заимствование содержания, форм и методов. Процессы формирования картины мира новых религиозных движений, в частности неоязычества, строятся по принципу художественного мироконструирования, благодаря которому их адептам представляется возможным снятие экзистенциальных противоречий и границ, достижение единства человека и Вселенной. Выделены и описаны три типа отношений неоязычества и искусства в современной культуре России: порождение, интерпретирование и субординация. Показано, что они определяются институциональной доминантой (в зависимости от преобладания художественного или религиозного планов), степенью погруженности акторов в конкретную религиозную систему, а также их иной специализацией. Объяснены другие особенности неоязычества в его взаимодействии с искусством, в частности то, почему одно и то же направление новой религиозности может состоять в разных отношениях с искусством.

В статье рассмотрены различные культурно-философские и психологические аспекты трактовки образа Анимы в контексте Юнгианской теории архетипов в художественной литературе и изобразительном искусстве конца XIX – начала XX века. Данная тема имела огромное значение в поиске и осмыслении национальной идентичности русского общества. Отмечено, что на формирование образа женщины-возлюбленной оказали очень большое влияние духовные поиски русской творческой интеллигенции, взыскующей синтеза и переосмысления Софиологии В. Соловьёва, идей европейского и русского символизма, христианских традиций, народных религиозных и сектантских практик. Показана эволюция образа Анимы в художественной литературе с акцентом на поэтических произведениях А. Блока, отмечен диапазон поисков в прозе и поэзии А. Белого, В. Иванова, Н. Гумилёва, В. Брюсова, Ф. Сологуба, М. Горького, в живописных произведениях М. Врубеля, М. Нестерова, П. Кузнецова и др. Выявлены общие тенденции в трактовке образа Анимы, её акцентные черты и свойства в русском искусстве вплоть до октябрьской революции 1917 года. Отмечена как основополагающая проблема неудачная попытка соединить возвышенный идеал с реальной жизнью, предпринята попытка осмыслить условия, при которых такое соединение могло стать возможным. Рассмотрены сюжетные вариации и трансформации понимания идеала возлюбленной. Проанализированы несколько главных вариантов архетипа Анимы, отражённых в произведениях вышеупомянутых авторов. Обозначена тенденция принципиальной трансформации Анимы в связи с изменениями в обществе вследствие Октябрьской революции.

Художественный образ лежит в основе любого искусства. Впервые в рамках данной статьи художественный образ выступает структурной единицей образной системы детских рисунков войны. На примере рисунков, выполненных детьми в период Гражданской войны в Испании (1936–1939 гг.) и Великой Отечественной войны в Советском Союзе (1941–1945 гг.), рассматриваются художественные образы военного детства в историческом контексте военной действительности. Общие тенденции создания художественных образов в творчестве испанских и советских детей прослеживаются на жанровом, тематическом и ком- позиционном уровнях, что позволяет выделить рисунки в отдельные типологические группы, такие как образ-событие, образ-личность, образ-копия, образ-идея. Посредством созданных детьми образов предстают различные события исторического прошлого, отражающие жизнь детей в экстремальных условиях военного времени. Рисунки испанских и советских детей времен войны демонстрируют схожую палитру художественных образов военного детства: переживания вражеских налетов, внимание к окружению, почитание вождей, эмоциональный опыт последствий войны, героизацию прошлого и внимание к культурному наследию. Образность рисунков соотносится с ценностными ориентирами своего времени, синхронизируется с идеологическими и социокультурными процессами, происходившими в разные исторические периоды. Художественное осмысление реальности проявляется в жанровой самобытности и сюжетных композициях. В своем творчестве дети достигают необыкновенной глубины, убедительности и ясности, вырабатывая собственные изобразительные приемы и правила. Сказочные образы на плоскости листа «сталкиваются» с реальными событиямивоенных дней, проявляя признаки нового жанра, а личные истории авторов находят отражение в портретной галерее и тематическом разнообразии рисунков.

Сопоставление элементов, из которых складываются такие многоплановые понятия, как «искусство» и «общество», позволяет нам обогащать категории искусствознания, художественной практики, выявлять особенности функционирования социальных систем.

В исследовании рассматривается проблема развития, изменения художественного пространства детской печатной книги в условиях современного визуального искусства, в том числе изменение композиционных принципов построения книги, технологических изменений, ведущих к созданию новых образов. Разнообразие путей формирования книжного блока связано с эволюцией художественных традиций: создание книжного пространства, новые конструкции книжной формы, сами иллюстрации, усиливающие возможности игровых диалогов. Для исследователей было важным выявить стилистические особенности изобразительного языка современных детских иллюстраций и проанализировать творчество художников в сфере детской книги.

Цель исследования — на основе нескольких современных иллюстрированных изданий оценить общие положения художественного пространства современной детской печатной книги. Новизна научной статьи заключается в том, что впервые анализируется творчество российских иллюстраторов Т. Борисовой, А. Десницкой, В. Петровской, И. Олейникова. Иллюстративный материал рассматривается в историко-искусствоведческом аспекте, а также предпринимается попытка охарактеризовать разнообразие художественных методов современных детских книжных иллюстраторов. Рассматриваемые художники популярны среди читательской аудитории, но малоизучены в историко-искусствоведческом аспекте. Каждый из выбранных художников имеет свой уникальный изобразительный метод, отражающий влияние современных визуальных видов искусства, в том числе анимации, театра, кино и т. д. Выявляются такие качества современного книжного пространства, как анимационная динамика визуального повествования, раскадровка иллюстративного листа по принципу комикса, приемы цветовой ассоциации и связи с современными средствами медиа- и социальных сетей, интерактивность, иммерсивность и интермедиальность книги и даже ее превращение в комплекс сувенирной продукции (мерч). Иллюстраторы ищут новые решения оформления книжного блока, поэтому нередко обращаются к прямому цитированию и переосмыслению наследия мастеров живописи и графики, используют узнаваемые черты различных стилей и художественных направлений, экспериментируют с печатным форматом, стирают границы между плоскостной иллюстрацией и объемной динамичной анимацией.

Статья представляет собой первую часть исследования, в котором предпринята попытка фиксировать в истории подъемы и спады в эмоциональной жизни общества, причем в коллективных формах. Поэтому автор преимущественно приводит примеры из зрелищных форм художественной жизни, в частности театра. До определенного времени такой предмет фиксировали исключительно историки искусства, исследуя имеющиеся в истории искусства единичные факты. При этом их узкая специализация приводила к тому, что эмоциональная жизнь соотносилась исключительно с универсальными художественными стилями (готика, классицизм, барокко и т. д.). Никакой другой теории в этом смысле не существовало. Возникновение таких наук, как антропология и социальная психология, позволяет разрозненные факты, собранные искусствоведами, привести в систему. Приблизительно с ХIХ века, когда формируется массовое общество, эмоциональная жизнь начинает представать в формах, смысл которых свести к художественным стилям невозможно. Кроме того, причины сдвига в эмоциональной жизни, происходящего под воздействием урбанизации, связаны уже не только с художественными факторами. Однако же функционирование искусства они начинает заметно определять. Эти причины находятся вне искусства, но при этом на искусство влияют. Наблюдения над искусством позволяют осмыслять определенную логику в спадах и подъемах эмоциональной жизни на рубеже ХIХ-ХХ веков. Также причины этого находили и в биологии.

В чем арт-сообщество видит ценность современного искусства? Данный вопрос обсуждается на основе 16 интервью с художниками, галеристами, кураторами и коллекционерами. Рынок современного искусства трактуется как «креативная индустрия», которая объединяет акторов, участвующих в производстве, дистрибуции и потреблении предметов искусства. Методология исследования построена на антропологическом подходе Игоря Копытоффа, идеях дискурсивной психологии Рома Харре, системе оценивания в креативной индустрии Ханны Вол и других, согласно которым история перемещений культурных объектов по социальному пространству и сопутствующие им дискурсы являются источником символических значений. Описаны рыночные практики дистрибуции предметов искусства: критерии отбора художников в галереи, юридические аспекты дистрибуции и потребления предметов искусства, неформальные практики покупок, моральные и прагматичные табу на покупку предметов искусства. Реконструированы четыре логики обоснования ценности предметов искусства: коммерческий успех, свидетельство времени, интеллектуальное развитие, эмоциональное переживание. Продемонстрировано, что потребление как коллекционерская практика требует следования правилам «профессионального подхода» для признания в арт-сообществе.