SCI Библиотека

Актуальность темы обусловлена большими возможностями использования библиотечных фондов не только для образования и воспитания личности, но и для организации и проведения досуга, в том числе путем предоставления пьес для устройства любительских спектаклей и соответствующей литературы в помощь для их постановки. В некоторых библиотеках для облегчения поиска таких изданий формировали специальные «театральные отделы». Их изучение является одним из направлений исследования трансформации книжной культуры в социальных коммуникациях XIX– XXI вв. Цель статьи – представить результаты анализа выявленных в дореволюционных библиотеках Сибири «театральных отделов». Исследование базируется на просмотре более 200 каталогов сибирских библиотек XIX – начала XX в. Шесть из этих библиотек имели в указанный период такие отделы, четыре являлись городскими общественными библиотеками. Впервые подсчитаны количественные показатели театральных отделов: количество наименований книг и томов в них, и по этим критериям определено их место среди других отделов. Самые крупные по количественным показателям театральные отделы сформировались в Барнаульской и Нерчинской общественных библиотеках, наименьший – в Курганской. Фонды театральных отделов комплектовались преимущественно драматическими произведениями российских и зарубежных авторов, при этом сочинений отечественных драматургов значилось намного больше, чем пьес иностранных писателей. Наиболее широко было представлено творчество А. Н. Островского. Перечислены выписываемые сибирскими библиотеками театральные периодические издания, среди которых чаще остальных встречались журналы «Артист» и «Театр и искусство». Установлены основные направления взаимодействия библиотек и устроителей любительских спектаклей, которые могут быть взаимовыгодны и современным учреждениям культуры.

В статье анализируется современный театральный синтез, основанный на многозадачности творчества и технологической части постановочного процесса. Автор описывает основные аспекты деятельности режиссера и художника-сценографа. Осуществляя профессиональную деятельность, режиссер сталкивается с множеством разнохарактерных обязательств перед театром. Как руководителю творческого коллектива ему необходимо, в строго определенной последовательности, решить все задачи постановки: от идеи спектакля до премьеры. Сценограф, отвечая за зрелищную составляющую, реализует материально-вещественное оформление спектакля, организует деятельность художников-технологов, вводит в театральное произведение инновационные средства усиления художественной выразительности режиссерского замысла - компьютерные технологии и мультимедийные эффекты. Театральный зритель, осваивающий коммуникативный потенциал мультимедиа, перевоплощается из «наблюдателя» в «сотворца», созидая уникальный творческий синтез.

После просмотра в Национальном театре Республики Карелия спектакля «Нора» по пьесе норвежского драматурга Генрика Ибсена «Кукольный дом» мне захотелось рассмотреть достоинства и недостатки этой постановки и понять, насколько точно её создателям удалось перенести идеи Ибсена на сцену. К несомненным достоинствам спектакля следует отнести его художественное оформление. Декорации заслуживают всяческой похвалы: простая белая платформа, имитирующая квартиру Хельмеров с минимумом мебели (несколько стульев, стол, диван) и парой игрушек на полу, по окончании какой-либо сцены вращалась, и на её белые стены проецировались картины норвежских художников-импрессионистов. Этот лаконизм интерьера придаёт пьесе новое прочтение и вневременной характер (разрыв с конкретной социально-исторической средой -норвежским обществом второй половины XIX века). Некоторые опрошенные мною однокурсники также одобрительно отозвались о музыкальном оформлении спектакля: музыка, оставаясь как бы фоном, тем не менее хорошо дополняла происходящее на сцене. Игрой актёров также можно восхититься, видно, что все они профессионалы, способные глубоко вжиться в образ своего героя и удивительно точно воспроизвести любые эмоции -радость, горе, тревогу, страх. Так, в финальной сцене мы видим в игре Андрея Горшкова (Торвальд) и Юлии Куйкка (Нора) всю тяжесть испытываемых их героями чувств: вспотевшее лицо Торвальда показывает его напряжение, а из глаз Норы проступают горькие слезы. Вместе с тем некоторые режиссёрские новации вызывают вопросы, например об уместности чрезмерной иногда экзальтированности главной героини и соответствии поведения героев нормам и ценностям общества, описанного Ибсеном. Гримасы, странные жесты и вульгарное поведение в отдельных сценах кажутся странными и ненужными для раскрытия основных мыслей произведения. В обществе владычества строгой протестантской морали (каким и была Норвегия в XIX веке) вульгарное поведение жены по отношению к другим мужчинам и даже к собственному мужу выглядит весьма странным. Сюда можно отнести поцелуй Крогстадтом Норы или периодическое ползание супругов по полу и мебели. Преувеличенные порой до гротеска жесты (танцевальные па, прыжки, хлопанье руками по столу в сценах общения Норы с доктором Ранком) противоречат самому норвежскому менталитету: строгости, сдержанности чувств и их проявлению через конкретные поступки. Скупость в проявлении ярких эмоций делает эти поступки более весомыми, поскольку мотивированы они скрытыми или подавленными чувствами

Несмотря на то, что в нашей жизни уже давно укоренилось такое искусство как кино, театр окончательно не забыт. Мы всё также с нетерпением стоим в очередях за билетами на всеми ожидаемый спектакль, сидим в уютных театральных залах в ожидании начала представления, наслаждаемся мастерством актёров на сцене и, в конце концов, испытываем катарсис от всего происходящего. Признаюсь, последний раз театр я посещал давно, а Национальный театр и вовсе в детстве. Можно сказать, что в сознательном возрасте в Национальном театре побывал впервые. Мне было интересно узнать, какова она жизнь петрозаводского театра в 2022 году, и постановка «Норы» по пьесе Генрика Ибсена стала отличной возможностью вновь окунуться в театральный мир. Всегда интересно наблюдать, как тот или иной режиссёр способен поставить литературное произведение или оформить его в виде фильма. Читая произведение, мы представляем себе образы героев, их выражение лиц, чувства, обстановку вокруг. И у каждого человека в голове своя картинка. Поэтому после прочтения любого произведения, я ищу в интернете его экранизации и постановки, чтобы узнатькак другие люди видят всю происходящую историю. Именно об этом я думал, знакомясь со спектаклем, который поставил польский режиссёр Анджей Бубень. С первых минут постановка вызвала у меня чувство некоего полёта. Оно было вызвано, прежде всего, музыкальным сопровождением, которое специально написали к постановке пьесы в театре. Музыка очень важна как для кино, так, в первую очередь, и для театра. Она помогает режиссёру показать своё видение происходящего на сцене или выразить свои эмоции, которые он испытывал при знакомстве с произведением.«Нора» -это пример того, каким должно быть музыкальное сопровождение в театральной постановке. Ничто так не выявляет талант режиссёра, как игра актёров. Можно сказать, что актёры -это куклы режиссёра, а всё, что происходит на сцене во время выступления -игра в кукольном доме. Пьеса Ибсена как ни одно другое произведение соответствует этой метафоре.

Статья посвящена японской драме «Кандзинтё:», текст которой вводится в научный оборот отечественной японистики, выполнен при участии студентов Института классического Востока и античности НИУ ВШЭ в рамках проекта «Перевод пьес театра Кабуки». Пьеса «Кандзинтё:» является одной из самых известных в японской театральной традиции, так как описывает историю о доблестном воине Минамото-но Ёсицунэ (1159–1189), это один из любимейших исторических персонажей в Японии. После того как Ёсицунэ разбил клан Тайра в решающем сражении при Данноура (25 апреля 1185 г.), война между Тайра и Минамото закончилась, но полководец Минамотоно Ёритомо приказал задержать и казнить своего брата. Спасая свою жизнь, герой и его спутники переодеваются в монахов-ямабуси, чтобы незамеченными пройти земли Японии, перекрытые заставами – специальными военными пунктами досмотра. В пьесе «Кандзинтё:» идет речь как раз о том, как самураи проходили одну из таких застав в японских горах, и как монах Бэнкэй, верный спутник Ёсицунэ, использовал свою смекалку, чтобы перехитрить смотрителя заставы Тогаси-но Саэмон, которому было велено Ёсицунэ задержать. Пьеса содержит знаменитые театральные сцены: импровизированное чтение подписного листа о благотворительности, диалог ямабуси-мондо:, удар Ёсицунэ, танец эннэн-но маи, летящий шаг тоби роппо:. Изначально пьеса принадлежала традиции Но:, одному из видов драматического театра в Японии, но Кабуки адаптировал её для своей сцены; тем не менее, влияние Но: сохранилось. В статье прослеживается, какие сценические элементы остались неизменными. В пьесе сильны буддийские мотивы, они подробно описаны как в репликах актеров, так и репрезентуются в материальных объектах: бутафории, костюмах, аксессуарах, – это свойство Кабуки, как вида сценического искусства, демонстрирует глубокую проработку буддистской символики. Также в статье представлен анализ главных персонажей, их сценического воплощения на сцене, разбор символики костюмов, описание сцены и бутафории.

Данное исследование продолжает изучение мало прозы современного писателя Ильдара Абузярова, особенностью творчества которого являются черты взаимодействия русской, восточной и европейской культур. Исследование посвящено значимому историческому контексту и выявлению трех основных типов номинации персонажей, используемых автором, которые соответствуют трем концепциям личности и жанровой парадигме современных художественных произведений.

Статья посвящена художественному оформлению пьесы-сказки А. Н. Островского, законченной автором в 1873 г. Автор статьи обращается к первоисточнику природных мест, где зародился сказочный сюжет и впервые был воплощен в сценографии художников конца XIX - первой половины ХХ в., считающимися самыми значимыми постановочными решениями, некоторые из которых находятся в фондах музея-заповедника «Щелыково». Методология исследования основана на историко-хронологическом развитии визуальных образов сказки, начиная от литературного первоисточника к художественному воплощению в эскизах. Декорационный материал рассматривается в связи с литературно-эстетическими принципами писателя, жанровой формой, отразившими весенне-зимнее настроение, фантастические человеческие образы и пейзажные этюды. Изобразительный материал, включающий работы В. М. Васнецова, М. А. Врубеля, К. А. Коровина, А. А. Арапова, А. Ф. Буслаева, анализируется как своеобразная целостная система, вместе с тем привносящая в сценическую интерпретацию сказки свою эстетику, индивидуальный стиль и внутреннее наполнение.

Обширное драматическое наследие Островского изучается посредством исследования преимущественно занимающих его ракурсов заявления «человеческого в человеке». С данной целью на основе однородных наблюдений производится выборка, устанавливающая распределение неких базовых параметров. Согласно такому способу действования драматический материал расценивается гуманитарным полем, в пределах которого осуществляется сценическое экспериментирование. В действительности речь идет о получении двух рядов генеральных совокупностей: одну устанавливает художник (выделением множества репрезентативных жизненных картин), другую - аналитик его творчества (выделением репрезентативных картин художественной трактовки жизни). Характеризация сценографии Островского проводится по функциям значения таких капитальных поэтических тематизаций, как сюжетика - «маленький человек»; «человеческое достоинство»; «самодурство»; «все всегда - в продаже»; «внутренняя опустошенность»; «путь России»; «счастье»; «историческое творчество».

Объемное драматическое наследие Островского подвергается осмыслению с позиций продумывания глубин национального состояния, пробуждения народного духа. Преимущественное внимание обращается на специфические задачи театра способствовать духовному прогрессу общественной жизни через гуманитарное зодчество. В определенном смысле работа восполняет пробел, связанный с недостаточным уяснением человеческого значения художественной деятельности родоначальника отечественной сцены.

Исследование призвано выявить характер постмодернистских экспериментов в театральном искусстве России начала XXI в. В основу анализа легли театроведческие изыскания и научно-психологические исследования о феномене трансфузии художественного отражения. Проанализировано влияние постановок данного периода на формирование российского театрального постмодернизма. Раскрыто значение историко-временного фактора, формирующего эти ко-эстетические поиски «дерзкой режиссуры», установлена аксиологическая амбивалентность подобных спектаклей и деидеологизация творческого процесса. Определена природа противоречивых сценических конструктов через взаимосвязь объективных исторических условий и субъективных факторов. Авторы заключают, что дегуманизация и сценические смысловые инверсии объясняются общим трансмутационным состоянием российской культуры указанного периода и индивидуальными режиссерскими особенностями художественной рефлексии.